John Wardle fundó John Wardle Architects en Melbourne, Australia, en 1986. Su temprano interés por la arquitectura comenzó con el encuentro de objetos y piezas recicladas de edificios en el patio de demolición que poseía un amigo de su padre.
Wardle estudió arquitectura en el RMIT y se licenció en 1981. El arquitecto regresó a su alma mater para obtener su máster casi 20 años después, cuando ya era un profesional experimentado que dirigía su propio y exitoso estudio. En la actualidad, Wardle dirige una gran oficina con más de 90 empleados y sedes en Melbourne y Sydney.
Entre las obras más célebres del arquitecto se encuentra Phoenix Central Park con Durbach Block Jaggers, obra que acaba de finalizarse en Sídney para Judith Neilson, fundadora y directora de la White Rabbit Gallery. Entre los proyectos anteriores del arquitecto se encuentran el Conservatorio de Música de Melbourne (2019); el Learning and Teaching Building de la Monash University (Melbourne, 2018); la Cabaña del Capitán Kelly (Isla Bruny, 2017); y la Escuela de Diseño de Melbourne en la Universidad de Melbourne, diseñada en colaboración con NADAA (2014). Wardle recibió igualmente la Medalla de Oro 2020 del Instituto Australiano de Arquitectos.
En la siguiente conversación, dialogamos con Wardle acerca de su concepto de falta de escala; de su afán por aprender de los fabricantes: herreros, fabricantes de acero, canteros, carpinteros, fabricantes de muebles, ceramistas, y de todo, desde los leñadores hasta los queseros; de su proyecto Phoenix, revestido de ladrillos procedentes de tres canteras diferentes en tres estados distintos de Australia; y de su concepción de lo que constituye el ideal perfecto de la propia arquitectura.
Vladimir Belogolovsky: Para empezar, permíteme preguntar si hay una pregunta que te gustaría hacer a ti mismo y que podría dar una dirección particular a nuestra conversación.
John Wardle: Me gustaría saber qué es lo que mantiene mi impulso para dedicarme a la arquitectura y buscar persistentemente ideas originales y no probadas y, al mismo tiempo, qué es lo que provoca las distracciones que me siguen apartando de este rumbo. Así pues, mi pregunta sería: ¿cómo encontrar el equilibrio adecuado entre estas dos cualidades en mí: la necesidad de centrarme y la inevitabilidad de las distracciones?
VB: Parece que no sabes la respuesta a esta pregunta, ¿verdad?
JW: ¡No, no lo creo! Simplemente creo que para crear y dirigir un estudio de arquitectura probablemente se necesitan ambas cosas. [Risas.]
VB: ¡Así que has encontrado la respuesta! Y hablando de la necesidad de distracciones, haces un buen uso de tu casa de retiro en Tasmania, que es una especie de campamento de salida de tu estudio y una forma de volver a centrarte en cuestiones que no son estrictamente arquitectónicas. Afirmaste: "Esos viajes nos alejan de las convenciones del espacio y de las ortodoxias de una oficina de arquitectura. Esos fines de semana tienen menos que ver con el diseño puro y mucho más con el proceso de creación y el establecimiento de conexiones con los artesanos que elaboran nuestros edificios". ¿Podrías hablar de esta fascinante tradición?
JW: Creo que los arquitectos pueden ser muy singulares y todo su marco de referencia es la arquitectura y la práctica arquitectónica. Por eso, a menudo intentamos introducir referencias externas -como la fabricación, la artesanía y el arte- en la conversación sobre el diseño. Me gusta la idea de aprender de los demás. Mi pareja Susan y yo tenemos una granja en funcionamiento en la isla de Bruny, en Tasmania, que produce lana. Podemos aprender mucho de los agricultores, son personas muy instintivas que apuestan constantemente sobre el clima, los precios de las cosechas, los mercados financieros, etc. Es una ocupación muy especulativa. Creo que las fuentes de inspiración deben ser muy amplias. Intentamos llevar a todo nuestro personal a la granja para pasar fines de semana largos, unas 20 personas a la vez, un par de veces al año. Cualquiera que quiera participar puede hacerlo.
La granja tiene pocas distracciones convencionales, por lo que la gente debe comunicarse cara a cara. Hablamos de otras cosas además de arquitectura. Cocinamos, socializamos y aprendemos de los artesanos: herreros, fabricantes de acero, canteros, carpinteros, fabricantes de muebles, ceramistas, desde los leñadores hasta los queseros. Observando y participando podemos apreciar las habilidades de estos artesanos y comprender su ámbito. A lo largo de los años, los proyectos han incluido un puente, un horno, proyectos de tallado, una mesa comunitaria y muebles de exterior, entre muchos otros. En el pasado, hemos plantado árboles y emprendido proyectos agrícolas y artísticos a pequeña escala. Se trata de reinventar la idea misma de la práctica profesional iniciando el aprendizaje a través de la construcción y el trabajo conjunto. Llamamos a estos viajes "talleres de fabricación de Bruny". Estas visitas se han convertido en una parte importante de la cultura de nuestra práctica. Nos gusta romper las convenciones de la práctica tradicional y apoyar el acto de hacer a través del acto de aprender.
VB: Otra de tus obsesiones es seguir diseñando incluso durante la fase de construcción, deteniéndote finalmente sólo cuando el proyecto está totalmente construido.
JW: Sí, no es una gran costumbre. Debemos dejar de hacerlo, así es como respondemos a un mundo en constante cambio. Intentamos resolver el diseño con antelación y plasmarlo en nuestras obras construidas. Pero luego siempre llega ese momento maravilloso en el que el edificio empieza a tomar forma y puedes ver ciertas cosas con más claridad. Disfruto con ello y es tentador ajustar una o dos cosas, pero intentamos hacerlo cada vez menos y dejar que los proyectos sigan sus guiones originales. Forma parte de la maduración de un arquitecto.
VB: Uno de tus pensamientos más fascinantes es que las buenas ideas no tienen escala. ¿De dónde viene esta revelación de dibujar ideas sin ninguna escala en particular?
JW: Creo que es una observación acerca de nuestro propio trabajo y fue parte de la razón por la que volví a estudiar para completar mi máster en el RMIT en 2001. Empecé a ejercer cuando era relativamente joven, y en medio de una vida ajetreada, había poco tiempo para la reflexión. Volver a completar el máster me lo permitió. Me interesaba examinar rigurosamente mis propios instintos y métodos. Así fue como desarrollé el concepto de falta de escala, que se refiere a muchos aspectos de la práctica, pero específicamente a que las ideas en sí mismas no tienen escala. Ésta sólo se determina en el proceso de construcción de los proyectos, tanto grandes como pequeños. La noción de falta de escala es muy importante, ya que nos da libertad y amplía las posibilidades. Un jarrón puede dar forma a una habitación, una casa o un gran complejo urbano a escala de una ciudad. Las ideas pueden migrar de una escala a otra. Esa es quizá la razón de evitar la simetría en nuestros proyectos. Hay orden, pero no simetría.
VB: He aquí un par de citas tuyas: "No soy un arquitecto que trabaje de forma aislada" y "Nuestro interés por el proceso de fabricación, a su vez, nos lleva a inventar nuevas formas de hacer, a una fuerte presencia material en nuestro trabajo que involucra todos los sentidos". ¿Podrías hablarnos de tu proceso de diseño?
JW: Lo principal es que me gusta trabajar de forma creativa con otras personas, tanto dentro como fuera de la consulta. Y si observa muchos de mis bocetos, verá que son una especie de conversaciones gráficas en las que intervienen muchas manos. Curiosamente, hay muchos arquitectos que trabajan mejor aislados y tienden a querer controlar el proceso de diseño. Pero creemos que podemos ampliar el potencial atrayendo a otros a la conversación sobre el diseño, así que tenemos una amplia coalición que incluye a gente como artesanos, fabricantes y artistas, pero también a otros estudios de arquitectura como NADAA de Boston y Durbach Block Jaggers de Sydney. Tenemos muchos amigos artistas y a menudo les invitamos a ellos y a otros creativos a colaborar en piezas para nuestros proyectos en paralelo, algo que siempre enriquece tanto la experiencia como los resultados. Así es como podemos ampliar el potencial de lo que, de otro modo, podría haber sido una simple pieza de arquitectura. Es una buena forma de trabajar: pasar del aislamiento a la conversación.
VB: Para tu proyecto Phoenix, diseñado en conjunto con Durbach Block Jaggers, se fabricó un tipo especial de ladrillo con arcilla procedente de tres canteras diferentes en tres estados distintos del país. ¿No es un poco excéntrico? ¿Es eso lo que intentas hacer en todos sus trabajos; explorar ciertos materiales y técnicas que no se habían utilizado antes?
JW: Utilizamos materiales cotidianos y los desarrollamos impulsando procesos de fabricación, creando un sistema de construcción que revela una cualidad nueva o diferente que se integra perfectamente en el conjunto. Creo que sí queremos crear una sensación de invención en la arquitectura, ésta es una de las áreas en las que intentamos comprometernos con la innovación. Por ejemplo, en nuestro proyecto de la Escuela de Gramática de Melbourne, se nos ocurrió una unión de ladrillos dispuesta vertical y horizontalmente, a medida que la pared se repliega los ladrillos verticales se revelan como objetos, evocando los libros que pueblan las estanterías.
Para nuestro proyecto de Phoenix queríamos utilizar ladrillo, pero no el tipo de ladrillo que se puede encontrar en otros lugares. Queríamos conseguir una sensación similar a la de la cerámica y fabricar nuestro propio ladrillo. No especificamos que tuviera que proceder de tres canteras diferentes. Simplemente insistimos a nuestro extraordinario ladrillero para que hiciera el ladrillo un poco más claro, un poco más gris, un poco más suave, un poco más cálido, etc. En cierto modo, era alquimia. El albañil buscó los ingredientes y resultó que venían de tres partes diferentes del país. Otro ejemplo es nuestro Conservatorio de Música de Melbourne, en el que utilizamos estos hermosos paneles de hormigón prefabricado con más de 60.000 baldosas de cerámica de diferentes tamaños incrustadas individualmente, dispuestas en patrones que sugieren anotaciones musicales.
VB: El objetivo de la clienta de la galería Phoenix, Judith Neilson, era crear "algo cercano al ideal perfecto de la propia arquitectura". ¿Cómo entiendes el ideal perfecto de la propia arquitectura?
JW: El ideal de la arquitectura no es algo singular. Para mí se trata de los ideales del propio proyecto, nunca es universal, y me entusiasman más las variantes que son específicas de un lugar o un imperativo concreto. Es una orquestación, una secuencia de cosas, un viaje coreográfico, una narración de historias, el desencadenamiento de conversaciones satisfactorias, etc. Se trata de ser curioso y estar abierto a la invitación de explorar posibilidades.
Lee las entrevistas anteriores de Vladimir Belogolovsky publicadas en ArchDaily.
